染・清流館　～染色専門美術館／京都～

個人作家たちによる創作染色が始まったのは、厳密にいえば第２次大戦後である。日展、新匠工芸展、日本伝統工芸展、後に日本新工芸展がつくられ、また重要無形文化財保持者（人間国宝）の制度ができて、型絵染の稲垣稔次郎、友禅染の田畑喜八・上野為二・森口華弘が指定された。この４人と小合友之助などを創作染色の第１世代とするならば、本展の佐野猛夫、三浦景生、来野月乙は第２世代である。
　 三浦はいう。「小合友之助先生に巡り会えたのは、私にとって運命的といえるもの」であり、「稲垣稔次郎先生には溢れる香りに似た純粋さを感じた」と。このことは、京都市立芸術大学染織科において、２人の後を佐野、三浦、来野が継いだことにもあらわれている。
　 本展はこの３人の1960年代と70年代の「ノン・フィギュラティフ」（非具象）作品を展示する。「非具象」は「具象にあらず」だから「抽象」と同じだと考えられがちである。しかしこの語は美術史的には限定された意味で用いられる。つまり「非具象」とは、具象と抽象の中間の特殊な傾向を指し、この時期の３人の作品に共通している。
　 かれらの考えによると、人間の視覚は自然と密接に関係していて、自然の印象が作家のヴィジョンを養う。したがってその作品が外観的には抽象に見えても、自然対象に精神的操作を加えて、心のるつぼの中で溶かしてから出すので、「抽象」とは異なる。つまり、外的印象から出発しながら、それを心的世界の表現に昇華させるのである。このように抽象に接近しながらも、これと一線を画し、つねに自然の生命にふれようとするが故に、かれらの立場は「非具象」なのである。
　 もとより、そのあらわれ方は３人３様である。佐野は流動的な風水の世界を、三浦は植物の精を、来野は鳥や人物の生命を志向しつつ、自然性と精神性の割合を微妙に変化させて、それぞれの作品の芸術的内容を深化させて行った。